DANCE

Con la cantidad de páginas que han llenado en las publicaciones de tendencias de este año me cuesta creer que no le hayamos dedicado ni un triste post a Crystal Castles. Hombre, puede que no sea el disco del año y seamos sinceros, escuchar sus 16 temas del tirón termina saturando y poniéndote un poco de los nervios. Con tantos ruiditos y efectos de sonido es inevitable tener el algún momento la sensación de haberte caído dentro de un videojuego de Konami, pero en él hay temas que no deberían pasar desapercibidos y son obligatorios en cualquier fiesta que se celebre este año y quiera presumir de moderna.

Crimewave es uno de ellos, su nuevo single en este caso junto a los californianos Health. Me gusta, me recuerda a los Fischerspooner y tiene algo de adictiva esta canción, es como cuando te has atiborrado a gominolas, el azucar te sale ya por las orejas, pero tu no puedes dejar de comer, esta es la sensación que tengo con todo el álbum debut de este dúo de Toronto.

En el vídeo intercalan imágenes de ‘Otto Or Up With Dead People' la última película de Bruce LaBruce que me acabo de enterar de quien es gracias a nuestros amigos de jenesaispop . Una historia de zombies canivales homosexuales (esta me la apunto).

En su DJ Live Act los pamploneses dejaron su lado más lounge y brasileño en casa decantándose por la electrónica de baile secundados por una despampanante cantante rubia de voz negra. Su cortísimo repertorio, la verdad es que los minutos se me fueron como por arte de magia, incluyó temas de su último álbum, 2 Faces (Appetizers-Compost Records, 2007) como ‘Mr. Sun’, ‘Incredible’ o ‘Jumps on me’.

New Young Pony Club fueron una de mis decepciones del MTV Weekend Gijón. Los londinenses hiceron un resumen más a o menos lógico de su primer larga duración, Fantastic Playroom (Modular, 2007), un trabajo de pop indie, influenciado por la new wave, adobado con ritmos de baile. Nu rave llaman a lo que hace este quinteto que lideran la cantante Tahita Bulmer y el productor Andy Spencer. Me aburrí soberanamente con sus supuestos éxitos: su single ‘Get lucky’, con el que comenzaron su recital, ‘Grey’, ‘F.A.N.’, ‘Ice cream’ o ‘The bomb’.

Otra decepción, y eso que ya me la esperaba, fueron Najwajean, es decir, el productor Carlos Jean y la cantante y actriz Najwa Nimri. Ya había comentado en Hipersónica que diez años después de su debut, No Blood, aquel disco que quiso emular el trip hop bristoliano de Portishead, el dúo se había pasado al rock y si bien en su nuevo disco, Till It Breaks, no daba esa impresión, en directo sí que me lo pareció, y ese cambio ha sido para peor.

Pero mientras que la banda roqueaba perfectamente, una Najwa Nimri sobreactuada, nada comunicativa, susurrando tonterías en inglés entre canción y canción, alargando en exceso sus partes vocales y fuera de lugar, acercándose a un lateral de vez en cuando para que su road manager le encendiera un cigarro, se cargó literalmente un concierto que comenzaron con una versión rarísima de ‘Dead for you’, ese tema que todos conocen por haber sido cabecera musical durante tantos años del programa de televisión Versión Española, y terminaron con una ‘Wanna be’ pasada de vueltas y la cantante demenciada.

Ni siquiera la versión de ‘So often’, del disco en solitario de la pamplonesa, Walkabout, un bálsamo en un concierto áspero en el que la cantante acabó espasmódica por el escenario, se pudo coger con pinzas, pues ella pareció talmente una Ute Lemper de rebajas.

Y llegaron Los Planetas con un pelín de retraso por problemas técnicos y salvaron la noche. Los granadinos con su habitual parsimonia ocuparon el escenario y fueron recibidos como ídolos. Era el grupo que todos estaban esperando y no defraudaron, y eso que apenas si J se dirigió al público más que al final para dar las gracias por el apoyo incondicional.

Empezaron a ralentí, calentando motores poco a poco, empezando muy ambientales, con esos crescendos tan suyos, y me parecieron unos Orthodox sin su parte metálica o metalera, como prefiráis. Sonó de primeras ‘El canto del bute’ y cerrando los ojos podría jurar que estaba ante un grupo del sello Southern Lord.

Los Planetas explotaron a fondo su último disco, La leyenda del espacio (BMG, 2007), su particular homenaje al legado de La leyenda del tiempo de Camarón, en el que pasan al lenguaje del rock distintos palos del flamenco y la tradición andaluza. Hasta diez cortes de un trabajo que en directo pareció crecer como la espuma, yendo de menos a más, con tres guitarras creando auténticas murallas de sonido y Raúl, el bajista, y sobre todo ese batería-apisonadora que es Erik, apuntalándolas.

‘Corrientes circulares en el tiempo’ fue el único nexo con el pasado en esa primera parte del concierto. Me gustó como les quedó ‘Entre las flores del campo’, más corta y melódica que los temas anteriores, y ‘La verdulera’, mucho más pop que lo que habíamos escuchado previamente.

‘La que vive en la carrera’ sonó muy andaluza, muy racial, y en ‘Si me diste la espalda’, volvieron Los Planetas más aguerridos. J, al que se le entendió mucho mejor que otras veces lo que cantaba, pareció relajarse un poco, dejando su guitarra a un lado para cantar ‘Deseando una cosa’. ‘Santos que yo te pinté’ generó el primer gran revuelo del recital, sorprendiéndome después el toque retro de ‘Deberes y privilegios’.

El acabose fue cuando sonaron ‘Segundo premio’ y ‘Un buen día’, dos de mis favoritas del repertorio planetero; pero aún fue mejor cuando tras despedirse con ‘Alegrías del incendio’, la banda regresó nuevamente, fuera de hora, para hacer los bises.

Primero, cayó ‘Toxicosmos’ y después ‘De viaje’, para delirio de su parroquia, revalidando Los Planetas, dieciséis años después de su debut con Medusa EP, el puesto de primera banda indie española.

Tras la derrota de España en baloncesto, apurando hasta el final y haciendo uno de los mejores partidos de la historia (se merecían el oro estos chicos), vamos con algo para levantar el ánimo de los domingos. La ración de funk del fin de semana.

Hoy probamos algo nuevo, nada de los clásicos originales , de los españoles , de la electrónica , ni de duetos , hoy toca irse al lado más hortera del sonido, hortera porque acabó derivando a tal sector, pero antes habría grandes grupos que darían al disco su momento de gloria sin que Saturday Night Fever ni los Bee Gees reprodujesen los tópicos de mal gusto como moda.

Aquí, John Travolta no es el protagonista, sino los grupos que sentaron una base para el género del baile. Quentin Tarantino conoce bien esta música, ya que sus películas se llenan de grupos desconocidos para el gran público y pero que, irónicamente, cuando suenan en sus largos, pasan a ser indispensables... Vamos con cinco para hoy.

La buena cultura musical de Tarantino la demostraba (por poner un ejemplo) al elegir el dardo de funk oscuro titulado ‘Jungle Boogie', con el que en 1975 Kool & the Gang triunfaban, para Pulp Fiction. La elección era más o menos sencilla, pero Kool & the Gang, de quienes ya hablé en la primera entrega, decidieron luego dar el paso y hacerse con el disco. No pude resistirme a incluir su máximo éxito (es la perfección en la unión de las partes), pero antes mejor rescatar el paso hasta él con ‘Tonight's the Night'. Everybody's Dancin' (1978, Mercury) ya había supuesto un leve cambio hacia el disco, pero demasiado tímido y flojo en partes. Tendría que ser con Ladies' Night (1979, Mercury), donde el grupo se sacase la espina y empezase a sonar como un nuevo disco, el llamado dance disco, que culmarían con Celebrate! (1980, Mercury). ‘Tonight's the Night' tiene todo los elementos de la cultura disco, la base dance, la oscuridad que ellos supieron conseguir y la incitación al baile.

Kool and the Gang - Celebration (YouTube )

Pero el hit que les catapultó fue ‘Celebration', y era indispensable pasarse por él. Un año después, en 1980, justo cuando el disco empezaba a tambalearse, los estadounidenses publican su himno situado en el disco dance. La canción sorteaba el término hortera que ya empapaba mucha de la música hecha para consumir en las discotecas. Sin su nuevo vocalista y líder, James "J.T." Taylor, esta transfor

mación no hubiese sido posible. Kool & the Gang consiguen en esta canción la mezcla perfecta entre los coros de fondo, su labor en primer plano y las trompetas sobre la base mantenida. Fue su único número uno, y es una de las canciones más recordadas por muchos.

Manu Dibango - Soul Makossa

Pero antes de ambas referencias populares, el disco ya había empezado a sonar sobre la mitad de 1970. Y el nombre que se suele citar para el comienzo es el del gran Manu Divango, otro de los reformadores del funk puro procedente de África, junto con su compañero Fela Kuti. El saxofonista camerunés publicó su primer LP bajo el mismo título que este single y ahí empezó otra historia. Si se observa la canción, se ve la base con cierta carga electrónica propia del dance primitivo, su saxo dando bandazos entre el funk y el disco de la primera época y luego los toques procedentes de su tierra. Es una canción que ha pasado a la historia y con la que empezó la carrera prometedora de Divango. 1972 fue la fecha en la que se publicó, y que contó con el apoyo del primer club de disco (The Loft) en Nueva York abierto dos años antes por David Mancuso, el nombre clave que popularizó el disco como promotor y DJ.

Donna Summer - The Hostage

La parte femenina en el disco empezó de la mano de Donna Summer, aunque ella era sólo una voz que estaba ahí gracias a la labor de un productor muy exitoso, como fue Giorgio Moroder. Italiano y encargado de los teclados, él estuvo detrás de todo el éxito de Summer. Con canciones mejores que otras, ‘The Hostage' es la elegida por su entrada en 1974 como número uno en muchas listas, en especial en Europa, demostrando la entrada del disco poco a poco. Luego llegarían más y más, hasta que llegados los 80, Donna Summer decidiera bajarse y hacer un soul más desenfadado y con numerosos altibajos.

The Blackbyrds - Walking in Rhythm (YouTube )

Y para cerrar, uno de los singles que se colaron entre los números 1 y como una de las canciones más radiadas. The Blackbyrds son uno de los grupos de funk que supieron adaptarse según los vientos que corrían. Magníficos en su primera época de funk más puro, con cuatro trabajos en tres años inmejorables. Desde su homónino en 1973, hasta Cornbread, earl and me en 1975. Sin comerse un colín porque había varios mejores que ellos, pese a que sus canciones instrumentales rebosaban groove puro, en 1975 apostaron por el disco desde el lado más meloso, ‘Walking in Rhythm' fue publicada y no salió rana. Era el disco previo a la explosión dance, que si bien tiene su tirón, yo prefiero la versión de los Blackbyrds más funk.

Una revisión para quitar un poco de caspa a un género "maldito" para muchos y que no deja de tener sus tesoros ocultos entre tanta bomba comercial para la discoteca. El disco tuvo una gran repercusión y cambió la cultura de la música en gran medida, llevando a la discoteca a mucha gente que hasta ese momento bailaba al ritmo de rock and roll o de las baladas poperas. La música dance empezaba a aflorar.

A la primera se ve como un álbum de los que buscan como sea el nuevo hype entre gente sin mucho interés a priori por el mundo de la música (ellos mismos no se tomaban muy en serio la tarea de componer y formar un grupo); pero después, cuando dejas el reproductor de bolsillo de lado, lo enchufas a un buen estéreo, le subes el volumen y lo escuchas varias veces, Oracular Spectacular es imparable.

Imparable por efectista, imparable por lo mismo que hace que pienses que se busca el insufrible hype de la industria (Sony BMG es quien está detrás, así que esto está confirmado), pero da igual, producto o no, el hecho es que Andrew VanWyngarden y Ben Goldwasser, hicieron las canciones sin pretensiones de vender bajo una fórmula, sino que las compusieron con la intención de divertirse y disfrutar de la música; justo lo que transmiten cuando se escucha el álbum.

Electrónico hasta la médula, las melodías se cargan de buenas partes que se hilan tras de sí, sin dejar tiempo a descansar. Es el álbum que sonará en cualquier pista de baile moderna que se precie a la vez que suena en todos los iPods y en las habitaciones de los seguidores del género. El éxito lo consiguieron el año pasado vía blogs, este año toca confirmarlo mediante ese formato llamado disco.

El sonido toma a Daft Punk de la misma manera que puede beber de The Rolling Stones y mezclar ambos sonidos. Psicodelia pura con capas electrónicas, parecido a lo que The Flaming Lips hacen, pero sin tanta experimentación, sin su originalidad y sin su riesgo, sólo con la idea y el concepto de mezcla entre géneros.

La comunidad bloguera lo encumbró en una de sus maniobras más fuertes, como es el marketing viral. De boca en boca todo el mundo fue conociendo al grupo de las siglas de The Management, el cual era conocido por la portada de los dos componentes vestidos a la moda hippie. Cada uno tenía su detalle para recordar estas melodías que una vez dentro de la cabeza, nadie las consigue olvidar.

El bombazo está en ‘Kids', dardo que ya justificaría el revuelo causado por el grupo. Es perfecto. House puro, con las correspondientes partes instrumentales y con la distorsión justa aplicada a las voces y a la base. Es un tema de pista sin necesidad de remixes que lo mejoren, más bien empeorarían el resultado. Cinco minutos donde el estribillo reitera varias veces y aún así los breaks le salvan de ser tedioso.

La otra carta del órdago viene dada por ‘Weekend Wars', pausada, medida y con una subida en las voces genial, sobre todo en el último falsete, pero nada de ser los Bee Gees modernos o el nuevo Mika, lo suyo es muy diferente.

Y el primer hit que les hizo sonar en todos los lados fue ‘Time To Pretend'. De nuevo el chute de vitalidad necesario. Juego de voces, bases más marcadas y fuerza para afrontar cualquier hecho. Es escucharlo y moverse.

El resto también continúa en esta dinámica, menos ‘Pieces Of What', un medio tempo folkie que se marcan donde también suenan adictivos. ‘The Youth' puede ser otra de las elegidas cuando rebajan la intensidad, aunque cualquiera valdría. El hecho, es que Oracular Spectacular es un álbum para disfrutar, con el que alegrarse el día más triste, hit tras hit, con mucha fuerza y ganas. Son el nuevo nombre de los hypes pero esta vez con una gran calidad detrás.

Por aquí andamos divididos entre a los que Hercules And Love Affair les han convencido y a quienes les ha parecido una tomadura de pelo . En lo único que coincidimos es en que lo mejor de su primer álbum es la voz de Antony Hegarty en el tema ‘Blind' pero me temo que este no sale con ellos de gira. Una pena

Sin él, este proyecto revival de fiebre de sábado noche queda reducido a un extravagante trío compuesto por su alma mater Andy Butler acompañado por Kim Ann Foxman y Nomi por lo que el espectáculo y la provocación está más que garantizado en cada una de sus actuaciones.

Estarán este fin de semana en el Ola festival y nos volverán a visitar en el mes de noviembre para hacer una minigira por nuestro país que les acercará a tres ciudades: Madrid, Barcelona y Murcia.

Estas son las fechas de los tres conciertos:

• Viernes, 7 de noviembre: Espacio Movistar (Barcelona).
• Sábado, 8 de noviembre: Sala Aurio - Auditorio (Murcia).

• Lunes, 10 de noviembre: Sala Heineken (Madrid).

Ya se han puesto a la venta en Tick Tack Ticket las entradas para los concierto de Barcelona (20 euros) y Madrid (18 euros). ¿Putada lo del lunes? qué va, mira por donde vas a poder hacer del lunes otro sábado...

Originalmente formada a los finales de 1978, dentro y para el club nocturno Blitz, que tenían por aquel entonces Steve Strange y Rusty Egan.
El fanatismo de Steve "Strange" Harrington y Billy Currie por Ultravox y Magazine hace que tiempo más tarde inviten a varios de sus integrantes.
Entre su inicio y comienzos de los 80s, la banda sufre varios cambios y logra algo de estabilidad cuando varios de sus integrantes participan en forma paralela con otras pequeñas bandas por aquel entonces. Esas bandas eran Ultravox (Ure y Currie), Magazine (Fórmula y Adamson) y McGeoch, recién separado de ésta última en Siouxsie and the Banshees.
Se los considera como los iniciadores de un nuevo movimiento llamado New Romantic, que contrastaba muchísimo con el estilo Punk del momento.

En 1979 lanzan un single llamado Tar, conteniendo Tar y Frequency con el que logran muy buenas ventas y excelentes criticas. Pero va a ser un año más tarde cuando Visage dejara su firma a fuego.
Sale a la venta el primer álbum llamado Visage (1980) bajo el sello Polydor y el single Fade to Grey será su eterno tema. Tambien salio otro exito de ese album, Mind of a toy.
Debido al éxito, algunos de sus integrantes proponen grabar un nuevo álbum, pero los compromisos con sus ¨otras¨ bandas, demoran el proyecto hasta finales de 1981, donde vuelven todos menos McGeoch.

Graban The Anvil (1982). Durante el tiempo que trabajaron en el estudio, Strange y Ure miden sus diferencias, influenciados por las nuevas tendencias que los inspiraban, hace que las grabaciones suenen muy distintas unas de otras. Tenían muy pegado el sonido de, dicen ellos, Roxy Music, David Bowie, Georgio Moroder, Kraftwerk y Brian Eno.
Sin lograr una línea artística y mínima campaña publicitaria, comparada con la del anterior, sale a la calle The Anvil y resulta ser un excelente LP. Pero las diferencias entre Strange y Ure crecen, y Ure deja la banda para dedicarse solo a Ultravox.

La banda volverá a los continuos cambios hasta que en 1984, en un momento de estabilidad, graba su último álbum, Beat Boy (1984)
La suerte los abandona y el fracaso marcará el fin de la banda.

Uno de sus fundador y voz, Steve Strange, juntó en el 2004 a nuevos integrantes, y bajo en nuevo nombre Visage mark II volvió a los estudios de grabación.
Para escuchar una nueva versión de Fade to Grey y mas info visita Visage Official .
Fade to Grey, ha sido por excelencia SU TEMA, y cada cierto tiempo ha salido una nueva versión. Amo ese tema mezcla de Gary Newman y Kraftwerk, y los mas recientes O.M.D., un tema que marcara como dije antes, ¨a fuego¨ el principio de los 80s.

Visage, integrantes: Steve Harrington, Midge Ure, Barry Adamson, Dave Formula, Billie Currie, Rusty Egan, John McGeoch, Andy Barnett, Chris Payne, Gary Barnacle, Rosie Harris, Ross Tregenza, Sandrine Gouriou, Steve Barnacle, Steven Young.
Visage mark II, integrantes: Steve Harrington, Ross Tregenza, Rosie Harris, Sandrine Gouriou y Steven Young.

Army of Lovers nace en 1987, en suecia y es liderado por Alexander Bard, productor y compositor de la banda.
Unos años antes, cinco exactamente, Bard surge de una muy ¨breve¨ agrupacion llamada trio Baard, conocida por el single Life in a Goldfish Bowl.
Sus primeros integrantes fueron Alexander Bard, Jean-Pierre Barda, y Camilla Henemark conocida como La Camilla.
El nombre del grupo proviene de un film de los años 70s titulado Die Armee des Liebhaber. También existe un documental gay de 1978 llamado Army of Lovers o Revolt of the Perverts.

Debutan con Army of Lovers (1991), Glory Glamour And Gold (1994), Gods Of Earth And Heaven (1993) y por último Massive Luxury Overdose (1992).

La banda parece no estar con todos los cables atados... se tranforma en un circo en el que comienzan a desfilar personajes de todo tipo. La Camila deja el grupo en 1992, pero cambia su apodo, va y vuelve. Llegaran cuatro nuevos integrantes. La banda sufrira más cambios.
Digo circo porque a pesar de sonar muy bien, se destacan por la imagen y su musica pasa a otro plano. Se los recuerda por sus imagenes de reyes, principes, imágenes de virgenes y prostitutas... y como dirían hasta el cansancio, Crucified!
Hasta fines de los 90s quedaran: Michaela Dornonville De La Cour, Alexander Bard, Jean-Pierre Barda conocida como Farouk, Dominika Peczynski, Camilla Henemark alias Katanga.
Se dedicaron a grabar más maxis y remixes que albunes, sus temas fueron muy bailados y entre ellos destacamos:
My Army of Lovers, Ride The Bullet, Supernatural, Crucified, Obsession, Judgment Day y Sexual Revolution.
Fueron y son un icono en la comunidad gay.
Fueron parte de la cultura 80-90 y aun hoy sus remixes suenan muy ¨actuales¨. Para tenerlos en cuenta y volverlos a disfrutar.

Hay quien dice que uno de los signos de la decadencia de los músicos es el momento en que el grupo decide sacar recopilatorios cada dos por tres, más a menudo que nuevas canciones. Eso parece que les está pasando a los Chemical Brothers, que apenas cinco años después de su primera retrospectiva, y sin nada especialmente reseñable, ya van a por la segunda.

¿Por qué hacerse con ella si ya se ha seguido la carrera de los hermanos químicos? Como siempre en estos caso, se han incluido unos cuantos ganchos para que caigan los de siempre. Por ejemplo, Brotherhood, que así se llama el nuevo disco, incluirá un single nunca escuchado hasta ahora, ‘Keep My Composure' (en el que participa Spank Rock).

Pero lo realmente interesante está en el segundo disco del recopilatorio. Allí se van a recoger las diez referencias de la serie Electronic Battle Weapon, creada por los Chemical Brothers en exclusiva para DJs y distribuida en ese mundillo de forma promocional. Hasta ahora, quien la había querido tener en sus manos, había tenido que tirar de p2p o de subastas en internet. Ahora, por fin, se pone a disposición de todos.

Lo curioso es que el primer vídeo que promocionará el recopilatorio es, precisamente, la décima referencia de EBW, esa ‘Midnight Nation' que podéis ver encabezando este post y que vuelve a demostrar lo mucho que les gusta a los Chemical Brothers cuidar la estética de sus vídeos.

El tracklists del recopilatorio, más que previsible en su primer disco (y prescindible, por tanto), es el siguiente:

CD 1
01 "Galvanize" (Radio Edit) (from Push The Button)
02 "Hey Boy Hey Girl" (from Surrender)
03 "Block Rockin' Beats" (from Dig Your Own Hole)
04 "Do It Again" (Edit) (from We Are The Night)
05 "Believe" (Edit) (from Push The Button)
06 "Star Guitar" (Edit) (from Come With Us)
07 "Let Forever Be" (featuring Noel Gallagher) (from Surrender) - 3:56
08 "Leave Home" (from Exit Planet Dust)
09 "Keep My Composure" (featuring Spank Rock)
10 "Saturate" (from We Are the Night)
11 "Out Of Control" (Radio Edit) (from Surrender)
12 "Midnight Madness" - 4:00
13 "The Golden Path" (featuring The Flaming Lips) (Edit) (from Singles 93-03) - 3:59
14 "Setting Sun" (featuring Noel Gallagher) (Radio Edit) (from Dig Your Own Hole) - 4:00
15 "Chemical Beats" (from Exit Planet Dust) - 4:02

CD 2
01"Electronic Battle Weapon 1" (version of "It Doesn't Matter" from Dig Your Own Hole)
02 "Electronic Battle Weapon 2" (version of "Don't Stop the Rock" from Dig Your Own Hole)
03 "Electronic Battle Weapon 3" (version of "Under the Influence" from Surrender)
04 "Electronic Battle Weapon 4" ("Freak of the Week", from the single "Music: Response")
05 "Electronic Battle Weapon 5" (version of "It Began in Afrika" from Come With Us)
06 "Electronic Battle Weapon 6" (remix of "Hoops" from Come With Us)
07 "Electronic Battle Weapon 7" ("Acid Children" from the single "Galvanize")
08 "Electronic Battle Weapon 8" (version of "Saturate" from We Are the Night)
09 "Electronic Battle Weapon 9"
10 "Electronic Battle Weapon 10" (version of "Midnight Madness")

No tengo ni idea hasta que punto Standard son conocidos fuera del País Vasco (supongo que lo son) y mucho menos de porqué han decidido cambiar ahora de nombre (¿demasiado standard para enontrarles en google?) y pasar a llamarse We are Standard.

Lo que sí se, es que en Bilbao dudo que una sola persona de las que acostumbra a ir a conciertos (sí, hay gente que va y gente que no) no les haya visto en varias ocasiones. Sus actuaciones tienen la garantía de convertirse en una gran fiesta y uno siempre encuentra el momento para divertirse con ellos.

Su debut 3000v 40000w fue un disco precipitado, todos comenzaban a hablar de ellos tras ganar el proyecto demo del Fib 2005 y era necesario lanzar un disco rápido. Aun así, con todos sus errores, consiguió engancharnos y ha aguantado hasta aquí sin quemarse demasiado. Pero otra vez se hacía necesaria su revancha, una segunda parte en la que sin esa urgencia, sin prisas, permitiéndose todo el tiempo necesario, estos cinco getxotarras la pueden liar.

Para ello se han ido a grabar a Londres, ciudad desde la que se han tirado ocho meses yendo y viniendo de la mano de uno de los Gang of Four, Andy Gill quien, casi de forma obsesiva, no ha parado hasta alcanzar el sonido exacto que deseaba para cada uno de estos nueve temas.

El disco que ha sido masterizado por Simon Davey (Amy Winehouse, Scissor Sisters...) en el estudio The Exhange de la capital británica no será publicado hasta el próximo 4 de noviembre pero ya podemos oír en su MySpace un adelanto.

Se trata de ‘The Last Time' remezclada por Arthur Baker (New Order, Afrika Bambaataa), un tema más discotequero, con multiples capas en las que se van entrelazando los instrumentos con una única finalidad: hacerte bailar.

Me parece muy acertado ese giro dance que espero se mantenga en el resto del disco. Ya estoy deseando escucharlo completo y ver como lo defienden en vivo con sus dos baterías enfrentadas.

Me he hartado de decir que sus dos únicos errores eran haber nacido aquí y ser unos tíos tan sencillos, ahora creo que son precisamente esas dos sus mayores virtudes. Atentos, porque con este pueden dar el gran salto.

Luego de su pasada por Argentina, Alex Under, productor y Dj, label manager de CMYKmusik, y también una de las cabezas visibles de los labels madrileños Apnea y Bemysheep, además de impulsor de Net 28, nos invita a conocer un poco más de su mundo.

DLA - Sabemos que en tus inicios decidiste comprarte las máquinas para
producir antes que unas bandejas, ¿qué fue lo qué te llevó a tomar ese
camino y por qué equipos te inclinaste?

Alex - Así es, antes de empezar en la música electrónica yo tocaba instrumentos en bandas de metal, así que el cambio lógico, cuando descubrí la electrónica, fue vender la batería y las guitarras y comprarme instrumentos musicales electrónicos.
También fue una cuestión económica, 5 dolares (al cambio) era lo que costaba un vinilo en esa época y para un "estudiante" 10 dolares eran una fortuna que podía ahorrar cada 3 semanas, las máquinas también eran carísimas, pero se podían pagar a plazos y el mercado de segunda mano funcionaba muy bien a pesar de que no existiera ebay
todavía.

DLA - ¿ De qué manera influyó Thomas Brinkmann en tu carrera?

Alex - en un principio me influyo de manera estrictamente musical, como a cualquiera que le haya escuchado aunque sea una sola vez, pero fue cuando le conocí personalmente cuando me influyo de manera filosófica e incluso psicológica, comprender su manera de entender la música, el arte, el techno como movimiento, la "nightlife", hizo que mi mente se abriera y no por imitar su manera de ver las cosas, precisamente lo que me enseño fue a que hay que tener una propia visión de las cosas, y por lotanto una propia interpretación de las mismas, propia, personal y única.

DLA - Este tema no podía faltar, contanos un poco sobre la creación del concepto de música Charlista.

Alex - Damián y yo compartíamos estudio, lo teníamos en el sótano de mi tienda de discos, y pasábamos allí mucho tiempo, también con Tadeo.
y nos encantaba hacer cosas diferentes, preveerlas y prediseñarlas, como si de un briefing militar se tratase, muchas veces duraban mas las sesiones de concepción de la obra que la fase de ejecución, y la gran mayoría de veces, la concepción era mucho mejor que la obra ejecutada.
Pero de tanto pensar y hablar se nos ocurrió un concepto, muy básico y muy interesante, se trata de la música que charla entre si, sonidos que se contestan, no solo en el tiempo, si o también en el tono, en la intención, en la acentuación...

DLA - A la hora de ponerte a armar un set, ¿en qué estructura te basás?

Alex - Depende mucho de las circunstancias concretas del momento, de esa misma noche, del tipo de sala, de la ciudad, de la hora..
También depende de la época en la que me encuentre, por un tiempo los hacía con una evolución ascendente mas lógica y normal, después estuve haciendo sets "montaña rusa" donde la intensidad bajaba y subía bruscamente repetidas veces durante la sesión. Y ahora mismo la estructura que uso es un poco mas "salto al vacío" donde la intensidad va decreciendo hasta acabar en una nebulosa densa, este tipo de estructura es el mas complicado de ejecutar, pero sin duda el mas satisfactorio cuando se lleva bien a cabo.

DLA - Y a la hora del Live, ¿qué instrumentos estás utilizando?

Alex - Un macbook pro con ableton live 7, un controlador midi uc-33 y una unidad de fx korg mini kaoss pad. Nada mas y nada menos, así de sencillo y eficaz.

DLA - Como dueño de una tienda de vinilos, ¿ Qué opinas de su desplazamiento dentro de la escena?

Alex - Si bien hace mucho que cerré mi tienda. y hace mucho también que mi corazoncito de "old-timer" ya no sufre por el cambio de era que estamos viviendo, sigo siendo coleccionista de vinilos y me siguen pareciendo un articulo muy bello. Pero desde el punto de vista profesional, como artista y label manager, me encanta el formato digital, las tiendas online y las interfaces de formatos digitales tipo serato/final scratch. Son todo ventajas para nosotros, mas barato de
hacer, con mas beneficio al vender, mas ecológico, con un proceso de producción mucho mas rápido.. tiene muchas desventajas también, lógicamente, pero esas ya las conocemos todos.

DLA - El nombre CMYK de tu sello, trae consigo reminiscencias de un pasado como diseñador?

Alex - No, surgió en un brainstorming, yo tenia muy claro que quería nombrar a cada referencia con un color ,y después vino el nombre final. Al poco descubrí que ya existía un sello que se llamaba CMYK, holandes de hardtrance!, así que lo personalice un poco a CMYKmusik.

DLA - Nos podrás hacer una comparación de la escena que vivís en Argentina a la que se vive en Europa, por ejemplo?

Alex - Solo he estado una vez, y me parece aventurarme demasiado, pero si te puedo decir que la escena de cada país, incluso de países vecinos, es completamente diferente a las demás, incluso hay variaciones de ciudad en ciudad. Está claro que Europa es el continente mas potente para este mercado, pero hay países y ciudades europeas que realmente preferiría no tener que pisar para actuar. Mis sitios preferidos para tocar son Japón, Rumania y España. Y los que menos me gustan, Francia y Alemania.

DLA - ¿Qué es lo que más se te ha impregnado en tu memoria luego de tu presentación en nuestro país?

Alex - Tenía bastantes ganas de venir, siempre he tenido muy buenos feedbacks del publico argentino, y siempre me he sentido apoyado por el, además muchos compañeros me habían hablado muy bien de la movida nocturna del país, y soy fan de muchos productores argentinos como Jonas Kopp y Boeing. La verdad es que la noche supero incluso mis expectativas, fue una fiesta muy linda, muy bien organizada y promovida, y con una respuesta humana inigualable! estoy deseando volver.

Alex como siempre es un placer tener tu visita en nuestro país, muchas gracias por tu tiempo. Exitos.